学赏画（22）寻求一种永久的、朴实的美 Dominique Ingres作品

宝座上的拿破仑大帝

安格尔超高清配图代表作品：

土耳其宫女与女奴/宫女和奴仆、朱庇特与海神、穆瓦特西埃夫人像、大宫女、贝尔登肖像、土耳其浴室、泉、瓦平松的浴女、 阿伽门农的使者、路易十三的誓约、 尼可洛.帕格尼尼、勃罗日里公爵夫人像、任第一执政官时的拿破仑、王座上的拿破仑一世、俄狄浦斯和斯芬克斯、罗杰解救安洁莉卡、圣母崇拜、男性身体的学术研究、圣女贞德在查理七世的加冕礼上、荷马的礼赞、凯罗琳·里维勒小姐像、罗杰解救安吉莉卡、达芬奇死在法国国王弗朗索瓦一世怀中、阿纳底奥曼的维纳斯

安格尔自画像

安格尔全名让·奥古斯特·多米尼克·安格尔﹝Jean-Auguste-Dominique Ingres﹞，法国著名画家，法国新古典主义绘画的代表人物，生于1780年蒙托邦，1867年逝世于巴黎。安格尔的爸爸是点缀雕刻家、皇家美术院院士，自幼遭到家庭杰出的艺术教诲。1834—1841年，他再度赴罗马，深入地研讨了文艺复兴时期意大利古典大师们的著作，特别推重拉斐尔·桑西。通过达维特和意大利古典传统的教诲，安格尔对古典规律的了解更为深入，当达维特逃亡比利时之后，他便成为法国新古典主义的旗手，与浪漫主义相抗衡。

法国 安格尔 霍松维勒女伯爵 布上油画 纵131.8×横92厘米 纽约弗里克收藏馆藏

霍松维勒女伯爵 布上油画 赏析

这幅肖像是画家65岁时所作，此幅肖像画是安格尔晚期的优秀范例之一，这时安格尔已成为一个一切优美和精致事物的宠爱者。整个来说，这幅肖像画虽然有些卖弄效果，但他画得的确非常好，评论家也只好哑口无言了。当然，画家在表现形体的准确性和深刻性方面是无可置疑的，但往往由于这种非凡的准确，以致在表现手法方面，线条变成了绝对压倒一切的形式，而失去了绘画所应有的流畅、活跃的气韵。画家本人有时也感觉到这种“绘画性”的必要，便以十分鲜艳的彩块，来弥补其不足。忠于客观、竭力写实、创造真实，安格尔都达到了。

达芬奇之死

作为19世纪新古典主义的代表，他代表着保守的学院派，与当时新兴的浪漫主义画派对立，形成尖锐的学派斗争。安格尔并不是生硬地照搬古代大师的样式，他善于把握古典艺术的造型美，把这种古典美融化在自然之中。他从古典美中得到一种简炼而单纯的风格，始终以温克尔曼的“静穆的伟大，崇高的单纯”作为自己的原则。

图尔农女伯爵

安格尔艺术特点

安格尔寻求一种永久的、朴实的美。对艺术形式进行了很多的深化研讨，以为最美的线条是曲线，最美的形体是带圆弧形的形体。因为柔软的圆弧线在人的心思视觉上不受任何阻力，故能导致舒服的快感。安格尔在女人裸体上找到了这种抱负的典型，所以很多描写圆润丰满赋有曲线美的女裸体。他常常描写各种浴女或东方情调布景下的女人体，这些人体有着润泽的皮肤，富于肉感的形体，带有较稠密的异国情调。例如《泉》、《瓦平松的浴女》、《大宫女》，《土耳其浴室》等，在这些女人人体著作中寄予了他全部的古典抱负美，他还以为“素描包含了颜色以外的全部”，曾说“素描是真实的艺术，”他十分注重素描，较看轻颜色，在著作中着眼于线条和素描联系的尽心研讨。

法国 安格尔 瓦平松的浴女 布面油画 91*162cm 卢浮宫博物馆藏在安格尔画的所有描绘女

瓦平松的浴女 赏析

在安格尔画的所有描绘女子裸体的油画之中，“瓦平松的浴女”和“泉”无疑是最好的二幅。“瓦平松的浴女”作于1808年，安格尔时年28岁。美妙的女子背影使他激动得竟至无暇过多顾及技术。半明和半暗的调子在这柔嫩的背上颤动着。色彩虽然相当原始，却也不无悦人之处。绿色的帘子、浅黄色调的身体、白色的床单、白色带红的绸头巾一一全部安排在一个平面上，如在镶嵌饰物中一样和谐地交织在一起。

玛丽小姐

他的油画突出表现在有谨慎的素描联系和形体布局，笔法细腻，画面光润洁净，有令人惊叹的高雅作用。总归安格尔认真学习和承继传统的古典主义艺术，在素描、形体、线条等外型手法方面加以开展，成为古典主义艺术的集大成者。大家公认他的艺术是传统古典艺术的结晶和最高成果。

坐着的穆瓦特西耶夫人 法国 安格尔

坐着的穆瓦特西耶夫人

安格尔在肖像画上的色彩非常柔和，技艺精细，并能避免色调变化的不随和性。就这一意义上说，他还是一位精练的、敢于创新的色彩画家。这一幅《穆瓦特西耶夫人像》上的红沙发、缀花裙子等等，充分证明他在色彩运用上是有其独到的功夫的。 这一幅属于画家晚年时期最后完成的贵夫人肖像。

男体

安格尔最注重和着重的是前史体裁的绘画，因为古典主义把体裁分为几等，其间前史体裁是最重要的一书，其次才是肖像、景色、人物和风俗画等。不过安格尔在前史题材方面的成果不大。他最拿手的仍是肖像画，他的肖像画极端精美细腻，描写深化、细节丰厚，构图谨慎讲究，人物的表情和性情的描写都适当赋有招引力，再加上他那精深的油画技艺，令其肖像画达到了登峰造极的境地。就连那些不赞同安格尔艺术观念的人也不得不为他那熟练的窍门所招引。他的闻名肖像画有《贝尔坦先生像》、《穆瓦特西埃夫人像》等。

法国 安格尔 宫女与奴隶

宫女与奴隶 赏析

这是一幅颇具东方阿拉伯情调的作品，描绘的是土耳其王族妇女的闺房生活。一个百无聊赖的年轻宫女横卧席上，两个女奴在身旁侍候，左边弹琴女奴神色漠然，她敞开前胸，目光陷入沉思，裸女明润光洁的肌肤与室内昏暗的暖色调形成对比，人物都融入富有东方情调的室内装饰之中，这幅画的裸体宫女，从形到色，都富有个性，不再是文艺复兴绘画人性体现的翻版。

素描

下期重点介绍安格尔素描高清作品

虽然安格尔十分崇拜并竭力保护古典主义艺术准则，寻求谨慎的构图，精确的外型，奇妙的明暗改变，明晰的概括，精密的用笔等。但从他的很多著作中能够看到，其艺术实习同他所专心寻找的古典艺术准则并不完全一致。例如他在《土耳其澡堂》、《大宫女》等著作中表现出对异国风情的好奇心，对东方体裁和中世纪传奇故事的极大爱好。这实际上正是其时盛行的一种浪漫主义的情调。他的著作还常常带有较多的自己颜色和不符合古典标准的夸大变形，如《大宫女》中拉长的脊背，可见安格尔所倡议的古典主义，因为年代的变通，已不能够同拉斐尔或普桑年代的古典艺术准则完全一致了。19世纪初的新古典主义不只带有这个年代的印迹，并且带上了更多的艺术家自己风格的寻求。

安格尔人体油画《沐浴》

安格尔艺术成就

安格尔是举世闻名的绘画大师、美学理论家和教育家，在80年的创作生涯中，他孜孜以求地在艺术道路上实践着自己的理想，勤于创作，留下了丰富的艺术遗产；他重视培养学生的观察能力，强调绘画基础的训练，制定了一系列为学院派奉为圭臬的古典主义原则。另一方面，安格尔的保守与反动也是史所罕见的，他极端仇视革命，曾宣称自己不属于这个叛逆者的时代；他诋毁进步艺术形式，骂它们是“下等酒馆里的破烂货，懒汉的艺术”。

珍妮小姐

作为19世纪新古典主义的代表，安格尔代表着保守的学院派，与当时新兴的浪漫主义画派对立，形成尖锐的学派斗争。安格尔并不是生硬地照搬古代大师的样式，他善于把握古典艺术的造型美，把这种古典美融化在自然之中。他从古典美中得到一种简炼而单纯的风格，始终以温克尔曼的“静穆的伟大，崇高的单纯”作为自己的原则。他的绘画吸收了15世纪意大利绘画、古希腊陶器装饰绘画等遗风，画法工致，重视线条造型，尤其擅长肖像画。在具体技巧上，“务求线条干净和造型平整”，因而差不多每一幅画都力求做到构图严谨、色彩单纯、形象典雅，这些特点尤其突出地体现在他的一系列表现人体美的绘画作品中。

俄狄浦斯和狮身人面像

安格尔的声誉如日中天时，也正是古典主义面临终结，浪漫主义崛起的时代，他和新生的浪漫主义代表人德拉克罗瓦之间发生许多次辩论，浪漫主义强调色彩的运用，古典主义则强调轮廓的完整和构图的严谨，安格尔把持的美术学院对新生的各种画风嗤之以鼻，形成学院派风格。

法国 安格尔 大宫女 布上油画 纵91×横162厘米 巴黎卢浮宫藏

安格尔 大宫女 布上油画

解析1：

安格尔是法国古典主义画派最后的代表。他生于萦特庞省，曾经向杜尔玆学习绘画，17岁时到巴黎，投入达维特门下。当时，达维特正担任拿破仑的首席画师。安格尔极受达维特的喜爱，达维特还曾为他画过一幅肖像：那微微皱起的眉毛下，有着―双认真思考的眼睛。1806年， 安格尔赴意大利，1824年回到巴黎。后来，1834至1841年，他再赴罗马，深刻地研究了文艺复兴时期意大利古典大师们的作品，尤其推崇拉斐尔。经过达维特和意大利古典传统的教育，安格尔对古典法则的理解更为深刻，当达维特流亡比利时之后，他便成为法国新古典主义的旗手，与浪漫主义相抗衡。

达维特肖像画《年轻的安格尔》

十九世纪初，法国的上层贵族阶级对东方土耳其的宫廷生活产生了浓厚的兴趣，这一幅《大宫女》正式安格尔为了满足那些达官贵族的视觉需要而进行创作的，这幅作品在巴黎展出时由于与如火如荼的革命运动想违背，没有引发人们的兴趣。

《大宫女》中描绘了具有强烈东方情调的土耳其闺房生活：一位全身裸露的宫女侧卧在华丽的床上，弯曲成优美弧度的背部完全暴露在人们面前，形成一种怪异的美感。画面中最引人注目的是宫女的裸体。这是一个完全不符合实际的夸张了的形体，脊柱被加长了。有一位批评家提出“多了三块脊骨”，但是正是这种“没有骨头”的变体增强了棵体特有的妩媚感。宫女的手臂也不符合解剖构造原理，粗细一致的拉长，与脊柱、腰身相互呼应，减轻了立体感。饱满浑则的乳房、扭曲的脚……所有的一切形成了一种韵律感，人们的视线全被吸引到宫女柔软优美的背部，营造出一种神秘的气氛。与抽象的人体不同，画面的背景采用了写实主义手法。这种真实的情境的描绘，增加了画面的说服力，使人们产生似梦非梦的幻觉。整个画面的色彩非常大胆，背景上很强的蓝色和裸体肌肤的黄色，以及人体的明暗和粉红色调极不协调，似是却有其自身的节奏感。这幅画中，安格尔为了营造出宫女整体曲线的美感与节奏感，对形体进行了抽象变形，而且这种对美的迫求不仅没有减弱画面整体的真实感，反而在画面上创造出一种神秘、典雅和抒情诗般的意境。

站着的穆瓦特西耶夫人

《大宫女》一经问世，就遭到了当时很多评论家的批评。他们讽刺说：“安格尔先生画活人，就像几何学家画固体一样。他把人体的各个局部忽而放大，忽而缩小。有时他感到沮丧，便不再加强这种可诅咒的立体感，开始使轮廓完善。这就叫舍本求末，用刀鞘代替宝剑来决斗。”然而安格尔的学生、曾为其老师作传记的阿莫里·杜瓦尔说得就比较中肯：“他可能是对的，可是这又怎么样呢？也许正因为这段修长的腰部才使她如此柔和，能一下子慑服住观者。假如她的身体比例绝对的准确，那就很可能不这样诱人了。”的确，在对美的追求中，形与美往往会产生冲突。面对这种两难的境地，安格尔没有裹足不前，而是显示出探索精神，而恰恰也正是这一点使安格尔迥然独立于同时代的画家中。具体的形可以让位于表现效果，节奏感重于一切景观，《大宫女》中拉长的背部、夸张的手臂无不显示出安格尔对美的追求。而旦更具魔力的是他能把这种美纳入真实中，达到美与真实绝妙的结合。

《大宫女》这幅作品色调优美别致，充满了浓厚的装饰性和新奇的异国情调，画中的女人优美妩媚，阴柔娇弱。因此有人称画中宫女没有骨头、没有肌肉、没有生命也没有信仰。但正式由于这种绘画表现，充分显示出宫廷女性的柔媚特点。

怪异的优美——安格尔《大宫女》

解析2：

此幅土耳其宫女图是画家应拿破仑的妹妹，即那不勒斯王国的王妃卡洛琳·摩拉的订购而创作的。这幅画所追求的是以女性裸体来表现女性身上一切可能出现的形态美。画中全裸的大宫女斜倚着靠垫横贯画面，在华丽的帷幕和褥单的衬托下，显得典雅迷人。画家很强调女性身躯的优美曲线，为了表示这种美，他刻意拉长宫女的手臂和躯干。

这种人为的夸张手法是有效的，因为观赏者立即被这个非同一般的宫女的体形和色彩所吸引住了，她斜卧在缓罗被褥当中，右手提起背景上的慢帐，彷佛要使自己的“姿色”浸透整个空间。

圣母

在构图上，宫女的身躯形成一大弧形，正好与右边落下的帷幕形成对应，使整个画面保持了均衡。色彩上也表现出画家的大胆与别致，蓝色的帷幕与玫瑰色的肉体并不协调，但相衬得很鲜亮，具有装饰效果。宫女像花瓣一般细润的肢体加了一层明亮、丰富的色调和肌理，显得气韵生动，诗意盎然。宫女的体态优雅静穆，可精神面貌冷漠妖娆。这幅作品完美地体现出安格尔对古希腊雕刻那种“静穆的伟大”的美学追求，也是19世纪裸体艺术的杰出代表作之一。

奥罗尔酒店

这是安格尔画的土耳其宫中宫女闺房生活的情景，具有浓郁的东方情调。首先，就新古典主义绘画风格而言，它破坏了色彩的"音域"，背景的蓝色与皮肤的淡黄色，人体的明暗与粉红色调等，都显得极不谐调；其次，女裸体态的夸张，成了变形美的试验。就此而言，安格尔显示了自己艺术的独立性和美学信念的独立性。倘若从历史的角度去看，安格尔的探索勇气是值得称道的。

荷马神化

荷马神化

安格尔的美术表现沿袭了古典主义的画法风格，其中对其影响最大的是文艺复兴三杰之一的拉斐尔，安格尔自己曾经说：“当我见到老师(达维特)从佛罗伦萨带回来的《椅中圣母》的摹本时，我茅塞顿开，拉斐尔给我打开了眼界，我激动的热泪盈眶。这个印象决定了我今后的命运。”由于拉斐尔的影响，崇拜古典主义和怀古成了安格尔毕生的追求。

法国 安格尔 土耳其浴室 木板油画 108108cm 1862年 卢浮宫博物馆藏

土耳其浴室 木板油画 赏析

该画具有浓厚的东方情调和异国风味。安格尔把抽象的古典美与具体的写实美巧妙地结合在一起，匠心独具地表现出女性的柔美和纯洁。从作者一生的绘画经历来看，他最高的成就就是女人体画。他对女色的嗜好是一贯而深刻的，当安格尔的天才同青春美丽妖娆的女性结合在一起时，创造力是空前的。肌肉、曲线、酒窝、柔韧的皮肤，一切的一切，都可以从他的油画上看到。

罗马法兰西学院主任

作者追求的是把裸体画成为自然本身，才算是实现了高度完美的境地。因此，这幅作品没有绘画技巧的痕迹。

如果说《保罗与弗兰西斯卡》不是一件成功之作，则《土耳其浴室》则是安格尔的优秀创作之一。画中的裸体组成了一个中间性的基调，小小的蓝、红、黄各色斑块，如宝石一样嵌缀其间，只是稍显模糊，但非常和谐一致。在女性美的表现上，安格尔克服了他那种感官上的爱好，赋予了它以传奇的魅力。这幅画反映了安格尔借助众多的“洁净”、“洗练”优美的人体来表现一种单纯与丰富、动态与静态的完美结合。每个浴女是一种“洗练”和“洁净”的形式，众多的“洗练”和“洁净”结合在一起就使得形式更为丰富。这冷静、幽雅精于用线和微妙的明暗色调来体现人体表达方式，是来自古典主义的传统；但是，这种真切而又超越真实，单纯而又变化丰富，柔美而又不柔弱甜媚的抽象意味，以及作品中所流露出来的浓郁的东方情调，是传统的古典艺术中所从未有过的。

弗朗西丝卡·里米尼和保罗·马拉泰斯塔

法国 安格尔 弗朗西丝卡·里米尼和保罗·马拉泰斯塔赏析

安格尔崇拜希腊罗马艺术和拉斐尔，和大卫一样捍卫古典法则，但又对中世纪和东方异国情调表现出浓厚的兴趣，因而被一些艺术史家戏剧性地划入浪漫主义画派。安格尔是一个对自然崇拜得五体投地的多情者。安格尔在向希腊人和拉斐尔讨教之前，先学习了自然。他曾断言：“希腊人就是自然；拉斐尔之所以是拉斐尔，就是因为他比别人更了解自然。”不过，安格尔并不能完全放弃明暗的处理，他还使用很强的，鲜艳得过分而不真实的颜色，以弥补作品色彩的冷淡。在这种情况下，我们看安格尔的画通常会有这样的感觉：线条画得太乾净了。正是这种线条的乾净把安格尔引向抽象，会使画面毫无内容，但为了表现明暗和反射（使作品富有内容），他也会把线条打断，使之带有“绘画性”，可是在这种有如金属一般坚硬的“绘画性”中，却没有一般“绘画性”所必不可少的那种流畅和“灵魂”。

如创作于1819年的《保罗与弗兰西斯卡》。当他的线条变得过于准确时，他就以细节来压倒它，画上一堆纯属低级的趣味的装饰物。但当他模仿提香时，那简直就是拉斐尔，这时的作品就成为珍贵的杰作。当他初访罗马之后，他又完善了自己的绘画风格，越来越多的杰作出现了，他的艺术也到达了鼎盛期。

法国 安格尔 里维耶尔夫人

里维耶尔夫人作品赏析

1805年，安格尔完成了“里维耶夫人肖像”一画，这幅肖像在色彩方面无疑也是安格尔的杰作之一。匀整的颜色如同镶嵌一样和谐地结合在一起，色彩显示着形体，带有某些起伏的暗示，但没有求助于阴影。身体和衣服用象牙白突出出来，组成画面的受光部分，深蓝色的沙发则组成画面的阴影部分。这两种颜色都被纳入黑色的背景。红、黄两色的小小变化无害于整体效果。个性和朴实的表情、明暗和单纯——使这幅肖像别有一种优美滋味的就是这些。这幅作品于1806年在沙龙中展出，但是它“独特的、革命的、哥特式的”风格特点招来了许多批评家的愤怒。事后，安格尔去了意大利，在那时奉承研究15世纪的佛罗伦萨绘画，目的是要把自己的风格提高到文艺复兴时期的水平和改造当时的绘画。他曾说过：“艺术发展早期阶段的那种未经琢磨的艺术，就其基础而论，有时比臻于完美的艺术更美。”那时他被中世纪的艺术所深深吸引。

《朱庇特与忒提斯》 布上油画 纵327厘米×260厘米 普罗旺斯·埃克斯·格里特博物馆藏

《朱庇特与忒提斯》 赏析

这是一幅以罗马神话为题材的作品。海神涅柔斯的女儿忒提斯曾与天神朱庇特热恋过，但神谕说忒提斯将会有 一个比父亲更强的儿子，于是朱庇特不顾忒提斯的反对，把她许配给凡人珀琉斯。忒提斯为了逃避这门亲事，曾再 三向朱庇特求爱，后又把自己变成了火、水、狮、蛇等形状，都被珀琉斯所制服。这幅画是安格尔早期在艺术风格 上兼容并蓄的极好例证，画中描绘的是高高坐在宝座上的众神之王朱庇特，他那威严的仪表和蓬散的头发，俨然像 一头发怒的雄狮。可在朱庇特身旁的海中女神忒提斯的形象却被明显的夸张化，她的两只手既长又柔软，整个身体 为了突出她对朱庇特的温存而扭曲了。在这里美学观似乎在听命于画家的浪漫主义想像力。人物像浅浮雕一样，姿 势稳固，手势则表现出哑剧性的问答。作品中，流畅而有节奏的轮廓线控制着图形的体积，颜色只是在烘托着素描， 并且经其柔和细腻的调配加深着线条轮廓，人体的光洁圆滑与复杂的衣纹褶皱形成对比。整幅画面给人以僵硬、浮 夸、冷淡之感。

裸体男子

这是一幅充满浪漫主义情调的艺术作品。画中描绘的是朱庇特不顾泰提斯的热恋，将其许配别人，泰提斯逃避这门婚事，反复哀求朱庇特，画中正是这一情景。朱庇特身旁的海中女神泰提斯的形象，被明显地做了夸张，一双手既长又柔软，整个躯体为达到对朱庇特的温存效果而显得扭曲。显然，画家的美学观听命于浪漫主义的自由想象力。在艺术风格上，兼容并蓄，方法仍以古典主义原则为主。

阿伽门农大使敦促阿喀琉斯战斗

安格尔的自然道路就是爱神的道路。他对女色的嗜好是深刻而一贯的。当安格尔的天才同青春美丽妖娆的女性结合在一起时，创造力往往是空前的。肌肉、曲线、酒窝、柔韧的皮肤——一切的一切，我们都可以从他的油画上看到。如果说“保罗与弗兰西斯卡”不是一件成功之作，则“土耳其浴女”则是安格尔的优秀创作之一。画中的裸体组成了一个中间性的基调，小小的蓝、红、黄各色斑块，如宝石一样嵌缀其间，只是稍显模糊，但非常和谐一致。

“朱庇特与忒提斯”是充分衡量安格尔构图优缺点的一个很好的标尺。如果把海神这个形象取掉，这幅画就会变成一幅细节刻画完备无缺的平常的学院创作。严格的理论原则和惊人的轻巧手法在这里汇为一体；但是，这样的结合产生不了真正的艺术。幸而画中有海神忒提斯这个形象。这一形象的姿态之做作是明显的，她的色彩也很不得力，但安格尔却在海神身体的“平面和圆面”的交替中表现出他的激动。海神的两只手和整个身体都表现着温存。在这种姿态中，她的身体已经成了听命于美学而非服从于感官的形象象征。

德·塞诺勒夫人 法国 安格尔 1814年，布面油画，106 x 84厘米，南特美术馆

德·塞诺勒夫人 赏析

塞诺勒夫人，一身红色衣裙，坐在金黄色的沙发上，平静地面对来自安格尔先生的目光。他时不时地把眼睛从夫人身上移走，聚精会神地描绘夫人的颈背在大镜子中的反射，镜子占满了后面整面墙。

画家离年轻的女人很近，足以闻到她身上的香水味，她出于礼貌，也向前倾身表示关注，没有别的意思。画家和模特之间保持了一定距离，这两个人中，只有一个人出现在镜子里面。观者想要在镜中寻找艺术家的图像，只是白费力气，他本应在那里，站在画架前，手里面至少拿着一只画笔，但是没有。就像施展了某些魔法，肖像做到了不呈现不必要的人，也没有呈现出这样的人可能暗示的某种熟悉的亲近关系。因此，英格尔先生巧妙地将自己排除在外。镜子寂然无声，在夫人后代眼里，她独自一人待在客厅中。

勒布朗夫人

镜子本来可能延伸画的视野，实际上却起到限制作用，就像一个实实在在的屏幕。艺术家知道这个世界的惯例，哪些必须隐藏不见，哪些可以伪饰后展现给政治社会，惯例建立于这两者之间某种不易达到的平衡之上。反射出的影像总可以是有用的工具，同时做到反射和隐藏，不必担心任何内在的矛盾。画得不像也没有关系，关键在于让可见的现实无可指摘。画笔可以粗粗掠过纠缠不休的细节和无聊透顶的瑕疵，任何无助于表现对象的优雅和宁静的东西都可以排除，甚至分散对她的关注的东西也可以不要。没必要坚持——在镜子瞒哄人的深度中，没什么好看的。

三只手臂的女子

在这些奢华的布置中，在别人目光下的塞诺勒夫人，就像一块被安全看护的宝石。胸前半透明的薄莎和几行蕾丝营造出放松的氛围。镜中反射出她头上的首饰，用来提升她脖颈的简单装饰，但这首饰也不是十分慑人。它只不过展现出亲近的表象，是一种艺术化的欺瞒手法。镜子金边中随意、无序地插着一些访问卡：社交访问的时间快到了，第一位客人即将光临。跟画中的镜子一样，塞诺勒夫人的眼中没有太多流露——她知道外貌装扮的重要性。

法国记者路易·弗朗索瓦·贝尔登（贝尔登肖像） 法国 安格尔

法国记者路易·弗朗索瓦·贝尔登（贝尔登肖像）

此画又名《贝尔登肖像》，作于1832年，作画之先，他为这位著名的《论坛报》(《Journaldes Debats》)的编辑和创办人路易弗朗索瓦贝尔登先生已画了各种姿势的速写。到正式给贝尔登画油画肖像时，后者已66岁。画家把这位精力充沛的事业家用素朴的色彩与背景来加强他的形象表现力：他坐在椅子上，穿着黑色的衣服，胖胖的身材，气度不凡，一对锐利的眼睛煞是传神，嘴角露着一丝难辨的微笑。这位性格较沉着的鬈发老人，一下子抓住了观赏者的注意力。使人们深感肖像的神采奕奕。评论家戈蒂叶观后称赞这幅画是"生理的肖像，道德的肖像，……是整个时代的发现"，简言之，就是一个路易菲利浦时代的事业家的崭新人物的发现。这里，素描的内涵超越了造型的一切手段。画家以细致入微的观察力，捕捉这个人物的典型性格特征。我们只要从贝尔登那双有力的，握在膝头的丰满的手，便足以令观赏者心悦诚服了。此幅肖像现藏巴黎卢浮宫。

安格尔的画室，绘画《罗穆卢斯阿克罗胜利者》

安格尔的肖像画之美，是艺术界公认的。创作于1832年的“贝尔登肖像”无疑是最着名的一幅。人们称赞这幅肖像，说它是“生理的肖像，道德的肖像……整个时代的发现……智慧的权力，财富，自信……在我们面前的是一个路易·菲力普时代的正直的人”。所有这些，都非常完善地表现在这幅肖像上。由于安格尔的精心的描绘和细节突出，使得他创造了一个足以表现整整一个时代的坚强人物的形象：这个形象同贝尔登本人的个性融合得如此紧密，以至现在已经很难把他们分开了。

卧在岩石上的裸女